http://entretenimiento.es.msn.com/blog/blog-o-pop/portada.aspxEste es un blog sobre la música pop, sobre sus protagonistas y sus canciones, sus tendencias y sus novedades, sus acontecimientos y sus estrellas.http://entretenimiento.es.msn.com/blog/blog-o-pop/post.aspx?post=b329ae27-5ce6-4eac-b40e-d0539bf5536bSon uno de los dúos más atípicos de la música pop actual. Esto no se debe a la música que hacen sino a quienes la hacen. Ella es la actriz y cantante Zooey Deschanel. Él es M. Ward, uno de los nombres sagrados del indie autóctono norteamericano. Fri, 24 May 2013 02:02:27 -0700Rafa Cervera3323fcd9-cbf2-4992-9991-4847621314fbb329ae27-5ce6-4eac-b40e-d0539bf5536bBlogArticle9F8D3C43BC50C68B012013-05-24T09:07:54.187Son uno de los dúos más atípicos de la música pop actual. Esto no se debe a la música que hacen sino a quienes la hacen. Ella es la actriz y cantante Zooey Deschanel. Él es M. Ward, uno de los nombres sagrados del indie autóctono norteamericano. Foto: Autumn de Wilde / Pias Funcionan como dúo desde finales de la pasada década. Su estilo es una mezcla de folk, pop y rock muy inspirado en los grupos de los 60. Por la calidez de sus canciones y por la química que destila semejante mezcla, She & Him son uno de esos nombres que quedan igual de bien en Coachella que en la banda sonora de una peli independiente. Volume 3 es su tercer álbum con material original. Entre este y Volume 2 hay un disco de canciones navideñas, que es mejor escuchar sólo en tan señaladas fechas. Su nuevo disco de canciones propias pone más énfasis en el lado pop y menos en el lado folk. Zooey canta prácticamente todas las canciones, función que antes se repartía con su socio. La versión de Sunday Girl de Blondie no les ha quedado nada mal. De hecho, Debbie Harry es una clara influencia en la manera de cantar de Zooey.   Foto: Autumn de Wilde / Pias She & Him es lo que se podría llamar un grupo inmaculado, a todos los niveles. Hasta cuando hacen algo que chirría un pelín (el disco navideño), dan ganas de no tenerlo en cuenta. Quizá sea por la pureza de su sonido clásico pero atemporal. Y por esa mezcla ya mencionada, la del músico de culto y la estrella de Hollywood con cosas que decir. Volume 3 contiene las primeras canciones compuestas tras su divorcio con Ben Gibbard. Gibbard es otra figura de culto: fundador de Death Cab For Cutie y The Postal Service. Su divorcio , aunque discreto, sacudió los mentideros de indie, porque el cotilleo no conoce fronteras. Los que quieran rastrear pistas o mensajes cifrados a su ex pueden escuchar atentamente canciones como Shadow Of Love. Zooey Deschanel currándose el photocall. Foto: Evan Agostini / AP Photo / G3onlineFoto: Autumn de Wilde / Pias Funcionan como dúo desde finales de la pasada década. Su estilo es una mezcla de folk, pop y rock muy inspirado en los grupos de los 60. Por la calidez de sus canciones y por la química que destila semejante mezcla, She & Him son uno de esos nombres que quedan igual de bien en Coachella que en la banda sonora de una peli independiente. Volume 3 es su tercer álbum con material original. Entre este y Volume 2 hay un disco de canciones navideñas, que es mejor escuchar sólo en tan señaladas fechas. Su nuevo disco de canciones propias pone más énfasis en el lado pop y menos en el lado folk. Zooey canta prácticamente todas las canciones, función que antes se repartía con su socio. La versión de Sunday Girl de Blondie no les ha quedado nada mal. De hecho, Debbie Harry es una clara influencia en la manera de cantar de Zooey.   Foto: Autumn de Wilde / Pias She & Him es lo que se podría llamar un grupo inmaculado, a todos los niveles. Hasta cuando hacen algo que chirría un pelín (el disco navideño), dan ganas de no tenerlo en cuenta. Quizá sea por la pureza de su sonido clásico pero atemporal. Y por esa mezcla ya mencionada, la del músico de culto y la estrella de Hollywood con cosas que decir. Volume 3 contiene las primeras canciones compuestas tras su divorcio con Ben Gibbard. Gibbard es otra figura de culto: fundador de Death Cab For Cutie y The Postal Service. Su divorcio , aunque discreto, sacudió los mentideros de indie, porque el cotilleo no conoce fronteras. Los que quieran rastrear pistas o mensajes cifrados a su ex pueden escuchar atentamente canciones como Shadow Of Love. Zooey Deschanel currándose el photocall. Foto: Evan Agostini / AP Photo / G3onlineBlogArticlehttp://entretenimiento.es.msn.com/blog/blog-o-pop/post.aspx?post=90fa0a1f-c087-4147-b37d-c7197c0bf0eaVídeos musicales protagonizados por seres mecánicos. ¡Daft Punk no están solos!Thu, 23 May 2013 00:54:54 -0700Rafa Cervera3323fcd9-cbf2-4992-9991-4847621314fb90fa0a1f-c087-4147-b37d-c7197c0bf0eaBlogArticle9F8D3C43BC50C68B012013-05-23T10:03:03.49Vídeos musicales protagonizados por seres mecánicos. ¡Daft Punk no están solos!Ultravox! tenían una canción que decía Quiero ser una máquina. Kraftwerk no se conformaron con decirlo y pasaron a la acción, creando robots a su imagen y semejanza. Y ahora el mundo baila al ritmo de Daft Punk, dos músicos humanos que han perfeccionado el look robótico. Buen momento para repasar algunos de vídeos musicales protagonizados por robots, humanoides y ciborgs. 1.LOU REED No Money Down (1986). Realizado por los maestros Godley & Creme, este clip fue todo un shock en su momento. Una cruda reflexión acerca de lo que puede ser una estrella pop. 2.BEASTIE BOYS Intergalactic  (1998) Un homenaje a la ciencia ficción de serie B, con un robot gigante que aterroriza Tokio mientras los raperos neoyorquinos hacen de las suyas. 3.BJÖRK All Is Full Of Love (1998) Gracias al magistral clip de Chris Cunningham, descubrimos que las máquinas también sienten amor. Y no sólo cuando canta Donna Summer. 4.FLIGHT OF THE CONCHORDS Robots (2007) Divertida parodia a cargo del dúo de cómicos y músicos neozelandeses, con referencias musicales a todos los robots que han sido alguien en la música pop. Daft Punk incluídos. 5.LCD SOUNDSYSTEM Home (2010) Los viejos y entrañables robots del pasado se sienten fuera de lugar en un mundo dominado por la alta tecnología. Al humanoide de Harder Better, Faster, Stronger (2001) de Daft Punk le pasaba tres cuartos de los mismo.Ultravox! tenían una canción que decía Quiero ser una máquina. Kraftwerk no se conformaron con decirlo y pasaron a la acción, creando robots a su imagen y semejanza. Y ahora el mundo baila al ritmo de Daft Punk, dos músicos humanos que han perfeccionado el look robótico. Buen momento para repasar algunos de vídeos musicales protagonizados por robots, humanoides y ciborgs. 1.LOU REED No Money Down (1986). Realizado por los maestros Godley & Creme, este clip fue todo un shock en su momento. Una cruda reflexión acerca de lo que puede ser una estrella pop. 2.BEASTIE BOYS Intergalactic  (1998) Un homenaje a la ciencia ficción de serie B, con un robot gigante que aterroriza Tokio mientras los raperos neoyorquinos hacen de las suyas. 3.BJÖRK All Is Full Of Love (1998) Gracias al magistral clip de Chris Cunningham, descubrimos que las máquinas también sienten amor. Y no sólo cuando canta Donna Summer. 4.FLIGHT OF THE CONCHORDS Robots (2007) Divertida parodia a cargo del dúo de cómicos y músicos neozelandeses, con referencias musicales a todos los robots que han sido alguien en la música pop. Daft Punk incluídos. 5.LCD SOUNDSYSTEM Home (2010) Los viejos y entrañables robots del pasado se sienten fuera de lugar en un mundo dominado por la alta tecnología. Al humanoide de Harder Better, Faster, Stronger (2001) de Daft Punk le pasaba tres cuartos de los mismo.BlogArticlehttp://entretenimiento.es.msn.com/blog/blog-o-pop/post.aspx?post=bbd6a08e-b29b-4097-9596-aba18d28c875Estos son algunos de los colaboradores de “Random Access Memories”Mon, 20 May 2013 13:03:20 -0700Rafa Cervera3323fcd9-cbf2-4992-9991-4847621314fbbbd6a08e-b29b-4097-9596-aba18d28c875BlogArticle9F8D3C43BC50C68B012013-05-21T07:03:19.68Estos son algunos de los colaboradores de “Random Access Memories”El nuevo álbum de Daft Punk está concebido como un monumento a los orígenes de la música de baile. El funk, la música disco, los primeros brotes de electrónica y el house están muy presentes en sus canciones gracias, entre otras cosas, a colaboradores como... Foto: Sony Music GIORGIO MORODER. Cuando en 1977 Bowie y Eno escucharon I Feel Love, el tema que produjo para Donna Summer, ambos tuvieron claro que aquel era el sonido del futuro. No se equivocaron. Con esta canción, la música pop entró a caballo de los sintetizadores en una nueva era. NILE RODGERS. Cerebro junto a Bernard Edwards de Chic, el grupo que redefinió la disco music inyectándole elegancia. Su gran hito fue Good Times, cuya línea de bajo inspiró uno de los primeros temas de rap, además de éxitos de Queen y Blondie. La inconfundible guitarra de Rodgers suena en tres canciones de Random Access Memories. Get Lucky es una de ellas. Nile Rodgers con will.i.AM (con sombrero). Foto: Celebrity Vibe /G3online PAUL WILLIAMS. Uno de los compositores más prestigiosos de la música norteamericana. Sus baladas son lo opuesto a lo que entendemos por cool. Por eso mismo, han acabado siendo reivindicadas. Su barroquismo casi sinfónico está presente en la banda sonora de El Fantasma del Paraíso, película en la que también encarna al villano. La imagen que adopta el protagonista en su papel del Fantasma inspiró sin duda a Daft Punk al diseñar la suya. TODD EDWARDS.  Mago del sampleado y de los ritmos sincopados, Edwards es uno de los maestros del house, estilo con el que el dúo francés se dio a conocer. Ha colaborado anteriormente con Daft Punk en Face To Face (2001), otro álbum lleno de homenajes a la música con la que crecieron Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo. PHARRELL WILLIAMS. Artista, productor, miembro de N*E*R*D y The Neptunes. Uno de los miembros de la realeza del R&B actual junto con Jay-Z y Kanye West. Fonsi Nieto suele lucir una camiseta con su cara estampada en ella.  El hecho de que cante en dos temas de este disco, tiene todo que ver con la primera parte del párrafo y nada con la segunda. Pharrell Williams. Foto: CPA / Retna Pictures / G3onlineEl nuevo álbum de Daft Punk está concebido como un monumento a los orígenes de la música de baile. El funk, la música disco, los primeros brotes de electrónica y el house están muy presentes en sus canciones gracias, entre otras cosas, a colaboradores como... Foto: Sony Music GIORGIO MORODER. Cuando en 1977 Bowie y Eno escucharon I Feel Love, el tema que produjo para Donna Summer, ambos tuvieron claro que aquel era el sonido del futuro. No se equivocaron. Con esta canción, la música pop entró a caballo de los sintetizadores en una nueva era. NILE RODGERS. Cerebro junto a Bernard Edwards de Chic, el grupo que redefinió la disco music inyectándole elegancia. Su gran hito fue Good Times, cuya línea de bajo inspiró uno de los primeros temas de rap, además de éxitos de Queen y Blondie. La inconfundible guitarra de Rodgers suena en tres canciones de Random Access Memories. Get Lucky es una de ellas. Nile Rodgers con will.i.AM (con sombrero). Foto: Celebrity Vibe /G3online PAUL WILLIAMS. Uno de los compositores más prestigiosos de la música norteamericana. Sus baladas son lo opuesto a lo que entendemos por cool. Por eso mismo, han acabado siendo reivindicadas. Su barroquismo casi sinfónico está presente en la banda sonora de El Fantasma del Paraíso, película en la que también encarna al villano. La imagen que adopta el protagonista en su papel del Fantasma inspiró sin duda a Daft Punk al diseñar la suya. TODD EDWARDS.  Mago del sampleado y de los ritmos sincopados, Edwards es uno de los maestros del house, estilo con el que el dúo francés se dio a conocer. Ha colaborado anteriormente con Daft Punk en Face To Face (2001), otro álbum lleno de homenajes a la música con la que crecieron Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo. PHARRELL WILLIAMS. Artista, productor, miembro de N*E*R*D y The Neptunes. Uno de los miembros de la realeza del R&B actual junto con Jay-Z y Kanye West. Fonsi Nieto suele lucir una camiseta con su cara estampada en ella.  El hecho de que cante en dos temas de este disco, tiene todo que ver con la primera parte del párrafo y nada con la segunda. Pharrell Williams. Foto: CPA / Retna Pictures / G3onlineBlogArticlehttp://entretenimiento.es.msn.com/blog/blog-o-pop/post.aspx?post=f9e7096f-4dc1-4757-aa0e-49cd3ab4ac8e“More Light” es el regreso del grupo liderado por Bobby Gillespie, que vuelve a crear una mezcla de estilos que lleva al rock & roll contemporáneo.Thu, 16 May 2013 12:28:29 -0700Rafa Cervera3323fcd9-cbf2-4992-9991-4847621314fbf9e7096f-4dc1-4757-aa0e-49cd3ab4ac8eBlogArticle9F8D3C43BC50C68B012013-05-17T08:29:17.957“More Light” es el regreso del grupo liderado por Bobby Gillespie, que vuelve a crear una mezcla de estilos que lleva al rock & roll contemporáneo.More Light es un disco de rock & roll protesta con canciones que hablan de lo que pasa en el mundo y canciones que hablan de lo que pasa en el mundo interior de Gillespie. Y como suele ser habitual, está plagado por nombres y referencias que nos cuentan mucho acerca de la música.                                                             Foto: Niall O'Brien / Pias 1.DAVID HOLMES. El músico y productor se ha encargado de reconducir el sonido del grupo hacia territorios más experimentales. Algo que él practica a fondo en sus propios y recomendables álbumes. No olvidemos que los mejores discos de los Primal provienen de la mezcla absoluta de estilos. 2.ROBERT PLANT. El vocalista de Led Zeppelin canta en  un tema. Ya había tocado la armónica en otra canción de Evil Heat (2002). Plant es amigo del grupo desde que se conocieron en 1994. Según Gillespie, sus consejos hicieron que el grupo superara una crisis y no se separara.                                                                       Foto: Zak Hussein / Duncan / G3online 3.KARL MARX. El autor de El capital acuñó “culturicidio” que da título a una de las canciones de More Light. El término es usado habitualmente por Mark Stewart, que también colabora en dicha canción. Stewart ha sido una de las voces más revolucionarias del rock desde su aparición con The Pop Group. Es uno de los referentes de Gillespie. 4. REI NADAL. Joven artista sevillana que firma el clip 2013. Gillespie la descubrió a través de su esposa, la estilista Katy England. Nadal se ha dado a conocer gracias al apoyo del fotógrafo Nick Knight, que la convirtió en una de sus colaboradoras de su estudio de creadores. Su vídeo es una pequeña obra maestra del género, inquietante e hipnótico.                                                                        Foto: Niall O'Brien / Pias 5.MANI. Bajista del grupo desde 1997, les abandonó en 2012 para regresar con su grupo original: Stone Roses. Este es el primer álbum que graban sin él. Gillespie asegura que le echan de menos como persona: “Somos como un equipo de fútbol, si un jugador se va, buscamos buen sustituto”.More Light es un disco de rock & roll protesta con canciones que hablan de lo que pasa en el mundo y canciones que hablan de lo que pasa en el mundo interior de Gillespie. Y como suele ser habitual, está plagado por nombres y referencias que nos cuentan mucho acerca de la música.                                                             Foto: Niall O'Brien / Pias 1.DAVID HOLMES. El músico y productor se ha encargado de reconducir el sonido del grupo hacia territorios más experimentales. Algo que él practica a fondo en sus propios y recomendables álbumes. No olvidemos que los mejores discos de los Primal provienen de la mezcla absoluta de estilos. 2.ROBERT PLANT. El vocalista de Led Zeppelin canta en  un tema. Ya había tocado la armónica en otra canción de Evil Heat (2002). Plant es amigo del grupo desde que se conocieron en 1994. Según Gillespie, sus consejos hicieron que el grupo superara una crisis y no se separara.                                                                       Foto: Zak Hussein / Duncan / G3online 3.KARL MARX. El autor de El capital acuñó “culturicidio” que da título a una de las canciones de More Light. El término es usado habitualmente por Mark Stewart, que también colabora en dicha canción. Stewart ha sido una de las voces más revolucionarias del rock desde su aparición con The Pop Group. Es uno de los referentes de Gillespie. 4. REI NADAL. Joven artista sevillana que firma el clip 2013. Gillespie la descubrió a través de su esposa, la estilista Katy England. Nadal se ha dado a conocer gracias al apoyo del fotógrafo Nick Knight, que la convirtió en una de sus colaboradoras de su estudio de creadores. Su vídeo es una pequeña obra maestra del género, inquietante e hipnótico.                                                                        Foto: Niall O'Brien / Pias 5.MANI. Bajista del grupo desde 1997, les abandonó en 2012 para regresar con su grupo original: Stone Roses. Este es el primer álbum que graban sin él. Gillespie asegura que le echan de menos como persona: “Somos como un equipo de fútbol, si un jugador se va, buscamos buen sustituto”.BlogArticlehttp://entretenimiento.es.msn.com/blog/blog-o-pop/post.aspx?post=bca54ff3-a623-4909-b5a8-3fe592ead0cbCoincidiendo con la aparición del libro “Viva el pop”, el periodista y locutor radiofónico repasa momentos cumbre de su trayectoria.Thu, 16 May 2013 02:46:14 -0700Rafa Cervera3323fcd9-cbf2-4992-9991-4847621314fbbca54ff3-a623-4909-b5a8-3fe592ead0cbBlogArticle9F8D3C43BC50C68B012013-05-16T09:50:38.46Coincidiendo con la aparición del libro “Viva el pop”, el periodista y locutor radiofónico repasa momentos cumbre de su trayectoria.Con Pedro Almodóvar. Foto: Colección privada Jesús Ordovás En Viva el pop, Ordovás hace un recorrido por la historia más reciente de la música española, historia que discurre paralela a su carrera. Autor de varios libros y responsable del programa radiofónico Diario Pop, además de otras experiencias en televisión,  ha sido una pieza fundamental en la difusión de toda la nueva música que se ha hecho en España desde los años 70. Ordovás, que actualmente presenta el podcast Nuevas sensaciones,  nos cuenta cinco momentos fetiche de su trayectoria: Con Pedro Almodóvar: "Almodóvar y yo nos hicimos amigos desde que nos encontramos en 1969 en la Cervecería Alemana de la Plaza de Santa Ana. Nos veíamos en los estrenos de las películas y también en los programas de radio que dirigí en Onda Dos y Radio 3 . También coincidimos en La Edad de Oro, el proyecto con el que Paloma Chamorro revolucionó la Televisión Española. Allí, en RTVE fue tomada esta fotografía".                                                  Alaska y Elisabetta, El Rastro. 1977. Foto: Colección privada Jesús Ordovás   Primer encuentro con Alaska:"Una mañana de un domingo del 77 iba paseando por el Rastro con mi cámara cuando ví a una chica con pinta de punk acompañada por otra chica vestida de chico. Les hice una foto y me acerqué a preguntarles quiénes eran y qué hacían allí. La punk me dijo que era Alaska y que estaban vendiendo el fanzine de Kaka de Luxe. La otra chica cantaba con Los Zombies y se llamaba Elisabetta. Quedé con ellas para hacerles una entrevista, que publiqué en Disco Expres , y seguí la pista de lo que  iban haciendo. En ese mismo lugar se habían encontrado unos días antes Alaska y El Zurdo con Carlos Berlanga y Nacho Canut en lo que sería un flechazo trascendental para el pop español, ya que con Kaka de Luxe se puede decir que nació lo que luego todo el mundo conoció como la Movida madrileña".     Ordovás, Almodóvar y el ejecutivo discográfico Carlos Juan Casado. Rockola, 1983. Foto: Colección privada Jesús Ordovás   Primera fiesta del Diario Pop de Radio 3: "La retransmisión para toda España de la primera Fiesta del Diario Pop de Radio 3 fue un acontecimiento histórico para la música pop española. Fue la primera ocasión que miles de aficionados al pop y al rock tuvieron de escuchar en directo las actuaciones de los mejores grupos del momento: Aviador Dro, Derribos Arias, Décima Victima, Siniestro Total, Radio Futura y Alaska y Dinarama".                                                    Con Poch, de Derribos Arias, 1983. Foto: Colección privada Jesús Ordovás   Presentación del álbum de Derribos Arias: "La presentación del primer elepé de Derribos Arias en la Galería Vijande fue uno de los acontecimientos de la movida madrileña. El donostiarra Poch era uno de los cantantes y compositores más admirados y a la fiesta de presentación asistió todo el quien es quién de la cultura pop: Pedro Almodovar y Fabio McNamara, Alaska, Paloma Chamorro, así como los pintores y fotógrafos del momento. El acto reflejó la popularidad de los artistas independientes españoles del momento".                                      Con Los Planetas en el estudio de Radio 3. Foto: Colección privada Jesús Ordovás Premiando a Los Planetas en 1992: "Los Planetas empezaron a sonar con sus primeras grabaciones en los programas de Radio 3 y ya desde un  principio fueron considerados como la banda representativa de la llamada generación indie. Desde el Diario Pop, que dirigía y presentaba en entonces, se les premió en numerosas ocasiones por sus maquetas, sus conciertos y sus discos."Con Pedro Almodóvar. Foto: Colección privada Jesús Ordovás En Viva el pop, Ordovás hace un recorrido por la historia más reciente de la música española, historia que discurre paralela a su carrera. Autor de varios libros y responsable del programa radiofónico Diario Pop, además de otras experiencias en televisión,  ha sido una pieza fundamental en la difusión de toda la nueva música que se ha hecho en España desde los años 70. Ordovás, que actualmente presenta el podcast Nuevas sensaciones,  nos cuenta cinco momentos fetiche de su trayectoria: Con Pedro Almodóvar: "Almodóvar y yo nos hicimos amigos desde que nos encontramos en 1969 en la Cervecería Alemana de la Plaza de Santa Ana. Nos veíamos en los estrenos de las películas y también en los programas de radio que dirigí en Onda Dos y Radio 3 . También coincidimos en La Edad de Oro, el proyecto con el que Paloma Chamorro revolucionó la Televisión Española. Allí, en RTVE fue tomada esta fotografía".                                                  Alaska y Elisabetta, El Rastro. 1977. Foto: Colección privada Jesús Ordovás   Primer encuentro con Alaska:"Una mañana de un domingo del 77 iba paseando por el Rastro con mi cámara cuando ví a una chica con pinta de punk acompañada por otra chica vestida de chico. Les hice una foto y me acerqué a preguntarles quiénes eran y qué hacían allí. La punk me dijo que era Alaska y que estaban vendiendo el fanzine de Kaka de Luxe. La otra chica cantaba con Los Zombies y se llamaba Elisabetta. Quedé con ellas para hacerles una entrevista, que publiqué en Disco Expres , y seguí la pista de lo que  iban haciendo. En ese mismo lugar se habían encontrado unos días antes Alaska y El Zurdo con Carlos Berlanga y Nacho Canut en lo que sería un flechazo trascendental para el pop español, ya que con Kaka de Luxe se puede decir que nació lo que luego todo el mundo conoció como la Movida madrileña".     Ordovás, Almodóvar y el ejecutivo discográfico Carlos Juan Casado. Rockola, 1983. Foto: Colección privada Jesús Ordovás   Primera fiesta del Diario Pop de Radio 3: "La retransmisión para toda España de la primera Fiesta del Diario Pop de Radio 3 fue un acontecimiento histórico para la música pop española. Fue la primera ocasión que miles de aficionados al pop y al rock tuvieron de escuchar en directo las actuaciones de los mejores grupos del momento: Aviador Dro, Derribos Arias, Décima Victima, Siniestro Total, Radio Futura y Alaska y Dinarama".                                                    Con Poch, de Derribos Arias, 1983. Foto: Colección privada Jesús Ordovás   Presentación del álbum de Derribos Arias: "La presentación del primer elepé de Derribos Arias en la Galería Vijande fue uno de los acontecimientos de la movida madrileña. El donostiarra Poch era uno de los cantantes y compositores más admirados y a la fiesta de presentación asistió todo el quien es quién de la cultura pop: Pedro Almodovar y Fabio McNamara, Alaska, Paloma Chamorro, así como los pintores y fotógrafos del momento. El acto reflejó la popularidad de los artistas independientes españoles del momento".                                      Con Los Planetas en el estudio de Radio 3. Foto: Colección privada Jesús Ordovás Premiando a Los Planetas en 1992: "Los Planetas empezaron a sonar con sus primeras grabaciones en los programas de Radio 3 y ya desde un  principio fueron considerados como la banda representativa de la llamada generación indie. Desde el Diario Pop, que dirigía y presentaba en entonces, se les premió en numerosas ocasiones por sus maquetas, sus conciertos y sus discos."BlogArticlehttp://entretenimiento.es.msn.com/blog/blog-o-pop/post.aspx?post=40bfbdff-3041-4bdb-8b8a-c3a528b214f1Lo nuevo de The National y Vampire Weekend, el disco en solitario de la mitad de Underworld y los debús de The Child Of Lov y Savages son algunos de los lanzamientos estrella de la temporada prefestivalera.Tue, 14 May 2013 01:22:04 -0700Rafa Cervera3323fcd9-cbf2-4992-9991-4847621314fb40bfbdff-3041-4bdb-8b8a-c3a528b214f1BlogArticle9F8D3C43BC50C68B012013-05-14T11:13:26.637Lo nuevo de The National y Vampire Weekend, el disco en solitario de la mitad de Underworld y los debús de The Child Of Lov y Savages son algunos de los lanzamientos estrella de la temporada prefestivalera.1.The National Trouble Will Find Me. El grupo de Ohio alcanzó la gloria con su obra anterior, así que no lo tenían fácil. Así y todo, este álbum posee el nivel de tensión emocional que a estas alturas se espera de ellos. Un 7 en la escala Leonard Cohen de melancolía, y otro siete a nivel general. 2.Vampire Weekend Modern Vampires Of The City. Otro disco más sonando como universitarios colgados de los sonidos africanos habría sido suicida. Afortunadamente, en su tercer álbum, el cuarteto ha dado un giro de timón. Siguen siendo pop, pero ahora abrazan el rock en este álbum inspirado por Nueva York. 3.Karl Hyde Edgeland. La mitad de Underworld ha grabado un álbum que redefine el concepto de electrónica acercándolo a sus orígenes setenteros y a los dictados de Brian Eno. Un disco de canciones y atmósferas más para escuchar que para bailar. 4.The Child Of Lov The Child Of Lov. Debú de un joven británico enamorado de la música negra. Damon Albarn produce y colabora. Él se encarga de escribir y dar forma a unas canciones que reescriben las normas del soul blanco.                                                   The Child Of Lov. Foto: Valentina Voss / Domino / Pias 5. Savages Silence Yourself. Uno de los debús más esperados del año y también una de las visitas más esperadas del próximo Primavera Sound. Sonido agresivo y oscuro, cortesía de cuatro artistas que adoran a Gang Of Four y la primera etapa de Siouxsie & The Banshees. Savages. Foto: XL / Popstock!1.The National Trouble Will Find Me. El grupo de Ohio alcanzó la gloria con su obra anterior, así que no lo tenían fácil. Así y todo, este álbum posee el nivel de tensión emocional que a estas alturas se espera de ellos. Un 7 en la escala Leonard Cohen de melancolía, y otro siete a nivel general. 2.Vampire Weekend Modern Vampires Of The City. Otro disco más sonando como universitarios colgados de los sonidos africanos habría sido suicida. Afortunadamente, en su tercer álbum, el cuarteto ha dado un giro de timón. Siguen siendo pop, pero ahora abrazan el rock en este álbum inspirado por Nueva York. 3.Karl Hyde Edgeland. La mitad de Underworld ha grabado un álbum que redefine el concepto de electrónica acercándolo a sus orígenes setenteros y a los dictados de Brian Eno. Un disco de canciones y atmósferas más para escuchar que para bailar. 4.The Child Of Lov The Child Of Lov. Debú de un joven británico enamorado de la música negra. Damon Albarn produce y colabora. Él se encarga de escribir y dar forma a unas canciones que reescriben las normas del soul blanco.                                                   The Child Of Lov. Foto: Valentina Voss / Domino / Pias 5. Savages Silence Yourself. Uno de los debús más esperados del año y también una de las visitas más esperadas del próximo Primavera Sound. Sonido agresivo y oscuro, cortesía de cuatro artistas que adoran a Gang Of Four y la primera etapa de Siouxsie & The Banshees. Savages. Foto: XL / Popstock!BlogArticlehttp://entretenimiento.es.msn.com/blog/blog-o-pop/post.aspx?post=1f88a892-fe20-4030-9c72-bbc260695a8cPixies y The Breeders no fueron los únicos grupos underground por los que Kurt Cobain declaró su admiración incondicionalWed, 15 May 2013 03:15:06 -0700Rafa Cervera3323fcd9-cbf2-4992-9991-4847621314fb1f88a892-fe20-4030-9c72-bbc260695a8cBlogArticle9F8D3C43BC50C68B332013-05-10T19:42:43.003Pixies y The Breeders no fueron los únicos grupos underground por los que Kurt Cobain declaró su admiración incondicionalAdemás de con  Meat Puppets, el líder de Nirvana expresó en más de una ocasión su deuda artística y vital con los siguientes nombres: YOUNG MARBLE GIANTS. El trío de pop minimalista de Cardiff hacía miniaturas musicales que, por su sencillez, resultaban emocionantes. Su único álbum, Colossal Youth (1980)  es hoy todo un clásico. DEVO. Cuando Cobain iba al instituto, sus compañero de burlaban de él porque escuchaba grupos como Devo. Los mutantes de Ohio fueron de los primeros grupos americanos en hacer rock con electrónica a mediados de los 70. Nirvana versionaron su Turn Around, versión incluida junto a otras rarezas en el recopilatorio Incesticide. THE RAINCOATS. Grupo londinense exclusivamente femenino cuyo toque naif cautivó a Cobain. Se reformaron gracias a sus elogios y estuvieron a punto de telonear a Nirvana. Courtney Love, que siempre aprovechó muy bien las enseñanzas de su marido, hizo una versión de ellas (y de Young Marble Giants) con Hole. DANIEL JOHNSTON. Un hombre obsesionado por un amor imposible, capaz de grabar docenas de canciones solamente con su guitarra y su piano en su propia casa. Rudimentario y básico, pero tremendamente inspirador, Johnston (que padece problemas mentales) también cuenta entre sus fans con Tom Waits y Yo La Tengo. El premiado documental The Devil & Daniel Johnston cuenta su historia. Cobain hizo popular al tejano por usar una camiseta con uno de sus alucinados dibujos. THE VASELINES. Un dúo escocés que también practicaba un rock amateur pero melódico que resumía todo lo que Cobain apreciaba en la música. Nirvana interpretaron dos sus canciones en MTV Unplugged. Eugene Kelly formó posteriormente Captain America y Eugenius.Hace unos años el dúo volvió a la actividad.Siempre descubro grupos interesantes! Felicidades Rafa!BlogArticlehttp://entretenimiento.es.msn.com/blog/blog-o-pop/post.aspx?post=bf41db2a-869b-44ea-8458-03ea48d94d54Con motivo de su veinte aniversario, y bajo el título "LSXX", se reedita el disco que marcó el boom comercial del rock independiente. Un álbum que hizo historia.Mon, 06 May 2013 09:37:08 -0700Rafa Cervera3323fcd9-cbf2-4992-9991-4847621314fbbf41db2a-869b-44ea-8458-03ea48d94d54BlogArticle9F8D3C43BC50C68B012013-05-09T05:49:19.283Con motivo de su veinte aniversario, y bajo el título "LSXX", se reedita el disco que marcó el boom comercial del rock independiente. Un álbum que hizo historia.Kim Deal asegura que no necesita alicientes para lograr que una canción pop acabe saliéndole rara. Last Splash, el disco que grabó con The Breeders y su obra más popular fue una síntesis de ambas cosas. Canciones gloriosas envueltas por feedback, ruidos raros con letras que sólo parecían tener sentido para su autora. Veinte años después de la edición de Last Splash, se puede decir que, por encima de todo eso,sus méritos fueron bastantes. Y sus consecuencias también... Last Splash nos dio el gran single alternativo de los 90. Que no es otro que Cannonball, aquella canción en cuyo clip –codirigido por Spike Jonze y Kim Gordon- Kim se convertía en la Monja Voladora. La canción conquistó MTV y fue el himno de una generación que acababa de descubrir la música underground. Gracias a ella, el álbum vendió un millón de copias. Last Splash sorprendió a las propias Breeders. Hasta su edición, sencillamente había sido el grupo paralelo de la bajista de Pixies. No tenían ningún interés en triunfar, sólo querían hacer la música que les apetecía. En pleno éxito de Nirvana, Kurt Cobain proclamó que el primer álbum del grupo, Pod (1990) era uno de sus favoritos. A continuación, Breeders fueron teloneras del trío y la  bola empezó a rodar. Last Splash acabó con los Pixies. La verdad es que el disco estaba en pleno proceso de grabación cuando Frank Black (alías Black Francis) comunicó por fax a sus compañeros en enero de 1993 que el grupo se disolvía. Pero también es cierto que la tensión entre Francis y Deal era insoportable. Esto se debía en parte a los celos. El primero nunca logró superar que la canción más famosa de Pixies estuviese firmada por Kim.                                                        Kim Deal. Foto: Tim Mosenfelder / Abaca / G3online Last Splash acabó también con Breeders. El éxito pilló desprevenidas a Kim Deal y a su hermana melliza Kelley. Esta no supo controlar las tentaciones de la fama. En 1995 fue detenida por posesión de drogas. Después de aquello, el grupo tardó casi siete años en levantar cabeza. Nada de lo que han hecho después logró superar a este álbum. Last Splash es una extraña combinación de estilos. Surf, pop femenino de los 60, garage, todo convive bajo ese mismo techo sonoro. Pero funciona de maravilla. No importa lo extrañas o ruidosas que puedan ser algunas canciones, existen contrapuntos de perfección melódica como Divine Hammer o Do You Love Me Now.Kim Deal asegura que no necesita alicientes para lograr que una canción pop acabe saliéndole rara. Last Splash, el disco que grabó con The Breeders y su obra más popular fue una síntesis de ambas cosas. Canciones gloriosas envueltas por feedback, ruidos raros con letras que sólo parecían tener sentido para su autora. Veinte años después de la edición de Last Splash, se puede decir que, por encima de todo eso,sus méritos fueron bastantes. Y sus consecuencias también... Last Splash nos dio el gran single alternativo de los 90. Que no es otro que Cannonball, aquella canción en cuyo clip –codirigido por Spike Jonze y Kim Gordon- Kim se convertía en la Monja Voladora. La canción conquistó MTV y fue el himno de una generación que acababa de descubrir la música underground. Gracias a ella, el álbum vendió un millón de copias. Last Splash sorprendió a las propias Breeders. Hasta su edición, sencillamente había sido el grupo paralelo de la bajista de Pixies. No tenían ningún interés en triunfar, sólo querían hacer la música que les apetecía. En pleno éxito de Nirvana, Kurt Cobain proclamó que el primer álbum del grupo, Pod (1990) era uno de sus favoritos. A continuación, Breeders fueron teloneras del trío y la  bola empezó a rodar. Last Splash acabó con los Pixies. La verdad es que el disco estaba en pleno proceso de grabación cuando Frank Black (alías Black Francis) comunicó por fax a sus compañeros en enero de 1993 que el grupo se disolvía. Pero también es cierto que la tensión entre Francis y Deal era insoportable. Esto se debía en parte a los celos. El primero nunca logró superar que la canción más famosa de Pixies estuviese firmada por Kim.                                                        Kim Deal. Foto: Tim Mosenfelder / Abaca / G3online Last Splash acabó también con Breeders. El éxito pilló desprevenidas a Kim Deal y a su hermana melliza Kelley. Esta no supo controlar las tentaciones de la fama. En 1995 fue detenida por posesión de drogas. Después de aquello, el grupo tardó casi siete años en levantar cabeza. Nada de lo que han hecho después logró superar a este álbum. Last Splash es una extraña combinación de estilos. Surf, pop femenino de los 60, garage, todo convive bajo ese mismo techo sonoro. Pero funciona de maravilla. No importa lo extrañas o ruidosas que puedan ser algunas canciones, existen contrapuntos de perfección melódica como Divine Hammer o Do You Love Me Now.BlogArticlehttp://entretenimiento.es.msn.com/blog/blog-o-pop/post.aspx?post=f7ec5003-6904-41de-95aa-5ac09d542a56OMD, BEF y Visage publican nuevos discos en estas semanas. Y por si fuera poco, Boy George canta en uno de ellos.Tue, 30 Apr 2013 08:59:09 -0700Rafa Cervera3323fcd9-cbf2-4992-9991-4847621314fbf7ec5003-6904-41de-95aa-5ac09d542a56BlogArticle9F8D3C43BC50C68B012013-05-07T05:58:45.303OMD, BEF y Visage publican nuevos discos en estas semanas. Y por si fuera poco, Boy George canta en uno de ellos.No es un revival, pero sí una coincidencia curiosa. Con pocas semanas de diferencia, se publican una serie de discos de artistas que se dieron a conocer entre 1980 y 1981. Provienen de escenas parecidas pero distintas. Cada uno ha envejecido a su manera. Pero tienen en común que triunfaron en las listas de venta británicas entre 1980 y 1981. Visage, British Electronic Foundation y OMD regresan con nuevos discos. OMD English Electric. Se reunieron en 2007 para recuperar en concierto algunos de sus clásicos. En 2011 sacaron su primer disco de material nuevo, History Of Modern. English Electric es menos sorprendente que éste pero mantiene intacta la capacidad del dúo para hacer pop electrónico de espíritu europeo. VISAGE Hearts And Knives. Steve Strange es el hombre al que se le acredita la invención de los new romantics. Lleva lustros sin grabar nuevas canciones, algo que dejó de hacer en 1984. Para entonces, el elenco de músicos que le arropaba en Visage le había dejado solo ante el peligro. Su regreso es sin ellos, pero el single de avance, sin llegar a ser Fade To Grey, suena mucho más a Visage que aquel último álbum. B.E.F. Dark. La British Electronic Foundation fue una escisión de los no menos exitosos Heaven 17. En su momento fueron los artífices del regreso de Tina Turner, produciendo las canciones que la ayudaron a fichar por Emi tras años olvidada. En cierto modo, fue B.E.F. quien puso de moda en 1981 el concepto de álbum de grupo cantado por vocalistas invitados de lo más dispares. En su primer álbum en 20 años vuelven a ello invitando a Green Gartside (Scritti Politti), Sandie Shaw, Kim Wilde y Boy George, que interpreta dos versiones, una de Stooges y otra de Lou Reed.No es un revival, pero sí una coincidencia curiosa. Con pocas semanas de diferencia, se publican una serie de discos de artistas que se dieron a conocer entre 1980 y 1981. Provienen de escenas parecidas pero distintas. Cada uno ha envejecido a su manera. Pero tienen en común que triunfaron en las listas de venta británicas entre 1980 y 1981. Visage, British Electronic Foundation y OMD regresan con nuevos discos. OMD English Electric. Se reunieron en 2007 para recuperar en concierto algunos de sus clásicos. En 2011 sacaron su primer disco de material nuevo, History Of Modern. English Electric es menos sorprendente que éste pero mantiene intacta la capacidad del dúo para hacer pop electrónico de espíritu europeo. VISAGE Hearts And Knives. Steve Strange es el hombre al que se le acredita la invención de los new romantics. Lleva lustros sin grabar nuevas canciones, algo que dejó de hacer en 1984. Para entonces, el elenco de músicos que le arropaba en Visage le había dejado solo ante el peligro. Su regreso es sin ellos, pero el single de avance, sin llegar a ser Fade To Grey, suena mucho más a Visage que aquel último álbum. B.E.F. Dark. La British Electronic Foundation fue una escisión de los no menos exitosos Heaven 17. En su momento fueron los artífices del regreso de Tina Turner, produciendo las canciones que la ayudaron a fichar por Emi tras años olvidada. En cierto modo, fue B.E.F. quien puso de moda en 1981 el concepto de álbum de grupo cantado por vocalistas invitados de lo más dispares. En su primer álbum en 20 años vuelven a ello invitando a Green Gartside (Scritti Politti), Sandie Shaw, Kim Wilde y Boy George, que interpreta dos versiones, una de Stooges y otra de Lou Reed.BlogArticlehttp://entretenimiento.es.msn.com/blog/blog-o-pop/post.aspx?post=1d9db6a6-a046-4584-a601-28e20ca373e1Con "Bankrupt!" efectuan su esperado regreso y, a pesar de lo que anuncia el título del álbum, sortean holgadamente la bancarrota creativaTue, 30 Apr 2013 12:49:15 -0700Rafa Cervera3323fcd9-cbf2-4992-9991-4847621314fb1d9db6a6-a046-4584-a601-28e20ca373e1BlogArticle9F8D3C43BC50C68B012013-05-03T22:03:18.663Con "Bankrupt!" efectuan su esperado regreso y, a pesar de lo que anuncia el título del álbum, sortean holgadamente la bancarrota creativaCuando un grupo de culto vende más de dos millones de discos y conquista el mercado americano, lo que viene a continuación nunca es fácil. Phoenix se convirtieron en la banda de moda en 2010 por todo eso. Hasta entonces era el único grupo francés que cantaba en inglés y que no conseguía cautivar a los anglosajones. Entonces llegó Wolfgang Amadeus Phoenix y se acabó la maldición. Cuatro años después aparece Bankrupt! Se trata de un álbum que sigue su propio camino sin intentar vivir de las rentas del anterior. La referencia a la bancarrota viene de esa sensación que sobreviene cuando se ha alcanzado un cierto grado de éxito y todo el mundo espera con expectación lo siguiente. Lo siguiente, en el caso de Phoenix, fue la banda sonora para la película Somewhere de Sofia Coppola. Thomas Mars, el líder del cuarteto, es su marido. Durante algún tiempo el grupo hubo de lidiar con ese parentesco: ella era una reputada directora, ellos parecían no despegar nunca.                                                                                     Foto: Warner Music El pulso pop de Phoenix suena inmejorable en Bankrupt! Logran de nuevo crear ese equilibrio entre el rock comercial de los 70, el pop y lo inesperado. Quienes les esperaban de uñas han tenido que guardarlas para mejor ocasión. El nuevo álbum de los franceses deja más que claro que de momento, no precisan de ningún rescate.Cuando un grupo de culto vende más de dos millones de discos y conquista el mercado americano, lo que viene a continuación nunca es fácil. Phoenix se convirtieron en la banda de moda en 2010 por todo eso. Hasta entonces era el único grupo francés que cantaba en inglés y que no conseguía cautivar a los anglosajones. Entonces llegó Wolfgang Amadeus Phoenix y se acabó la maldición. Cuatro años después aparece Bankrupt! Se trata de un álbum que sigue su propio camino sin intentar vivir de las rentas del anterior. La referencia a la bancarrota viene de esa sensación que sobreviene cuando se ha alcanzado un cierto grado de éxito y todo el mundo espera con expectación lo siguiente. Lo siguiente, en el caso de Phoenix, fue la banda sonora para la película Somewhere de Sofia Coppola. Thomas Mars, el líder del cuarteto, es su marido. Durante algún tiempo el grupo hubo de lidiar con ese parentesco: ella era una reputada directora, ellos parecían no despegar nunca.                                                                                     Foto: Warner Music El pulso pop de Phoenix suena inmejorable en Bankrupt! Logran de nuevo crear ese equilibrio entre el rock comercial de los 70, el pop y lo inesperado. Quienes les esperaban de uñas han tenido que guardarlas para mejor ocasión. El nuevo álbum de los franceses deja más que claro que de momento, no precisan de ningún rescate.BlogArticlehttp://entretenimiento.es.msn.com/blog/blog-o-pop/post.aspx?post=3b5b202f-a116-49bf-9f45-dd66f5103145Morrissey fue, en cierto modo, uno de los herederos más dignos del Bowie de la era glam. Y Bowie, al igual que hizo con Suede y Placebo en los 90, se lo reconoció. Recientemente ha quedado claro que ambas estrellas no se llevan bien.Thu, 02 May 2013 09:17:24 -0700Rafa Cervera3323fcd9-cbf2-4992-9991-4847621314fb3b5b202f-a116-49bf-9f45-dd66f5103145BlogArticle9F8D3C43BC50C68B122013-05-02T10:21:02.56Morrissey fue, en cierto modo, uno de los herederos más dignos del Bowie de la era glam. Y Bowie, al igual que hizo con Suede y Placebo en los 90, se lo reconoció. Recientemente ha quedado claro que ambas estrellas no se llevan bien.Bowie como Ziggy Stardust. Foto: Radial Press / G3online David Bowie y Morrissey no se llevan bien. Quedó claro cuando Morrissey intentó usar una foto privada en la que posaba con Bowie para la portada de la reedición de uno de sus singles. La imagen, tomada por su amiga Linder Sterling en 1992, fue vetada por Bowie. Éste no tenía derecho alguno sobre ella, pero ejerció presión sobre Emi, discográfica que publica el single, y que posee los derechos de su catálogo. El polémico cantante recurrió a otra foto: una tomada en compañía de Rick Astley, estrella pop de los 80 que, la antítesis de Bowie. El origen de este mal rollo se remonta a 1995. Bowie contó con Morrissey para la gira británica de Outside. El primero estaba viviendo una época de renacimiento artístico. El segundo volvía a pasar una mala racha comercial. En su álbum anterior, Black Tie White Noise, Bowie le había rendido homenaje versionando uno de sus temas en solitario: I Know It’s Gonna Happen Someday. Originalmente incluído en Your Arsenal (1992), era a su vez un guiño a las influencias glam del de Manchester. Y además, estaba producido por Mick Ronson, el guitarra de The Spiders From Mars, la banda de la etapa Ziggy Stardust. En 1991, Bowie se había unido a Morrissey por sorpresa en un concierto en Los Ángeles. Juntos  interpretaron Cosmic Dancer de T.Rex.  Recientemente, Morrissey hablaba así de la relación entre Ronson y Bowie en la revista Uncut: “Trabajó con Bowie por 45 libras semanales. Carecía de ego y se preocupaba sólo por sacar lo mejor [...] Los vi actuar en septiembre de 1972. Bowie tenía un rostro increíble, pero no era rock & roll, al contrario que Ronson, que era masculino en cada una de sus notas. La dureza de Mick evitó que Bowie fuera Keith Christmas”.                                                                           Foto: Mark Allan / AP Photo / G3online   Volviendo a la gira de 1996, Morrissey la abandonó después de diez conciertos aludiendo problemas de salud. Los problemas económicos y logísticos que esto supuso para la organización no cayeron en saco roto.  “Bowie es una empresa –comentó a la revista de  The Times en 1999-. No me puedo imaginar que sea capaz de llamar a su madre sin pensar antes en las consecuencias que esto pueda tener en su carrera. Se rodea de gente muy poderosa y ahí reside el secreto de que todo lo que hace tenga tanta repercusión [...] Nunca he hablado de esto antes porque, ante todo, respeto a Bowie. No tengo más que escuchar Starman o Drive-In Saturday para perdonarle [...] Abandoné la gira porque ejercieron mucha presión y quedé exhausto [...] Pero reconozco que no fue una de las mejores decisiones que he tomado “.                                                                                    Foto: Lawrence Watson / Emi Según cuenta David Buckley en su biografía, Extraña fascinación, Morrissey no se sentía cómodo actuando para un público que, mayoritariamente quería ver a Bowie. Días después de abandonar comenzó una gira japonesa. También indica que la situación explotó tras una bronca con el propio Bowie en el backstage. Sea como fuere, las consecuencias de aquel desencuentro siguen coleando.Es posible que lo que dice Morrisey sobre lo que habría sido David Bowie, sin Mick Ronson, sea verdad, pero no hay que olvidar, que Bowie, sin él, hizo auténticas obras maestras, como por ejemplo, el Diamond Dogs, Young Americans, Station To Station, toda su trilogía berlinesa o Scary Monsters y alguna otra cosa más (aunque no muchas). Pero, si es verdad que le debe muchísimo a Ronson, por lo menos toda su época Glam.BlogArticlehttp://entretenimiento.es.msn.com/blog/blog-o-pop/post.aspx?post=894aa6c3-24ca-4d08-accc-b40a2ee6fd22El futuro del cantante es incierto, pero su pasado sigue dando mucho de sí. La reedición de su segundo álbum en solitario nos recuerda que la polémica siempre camina junto a élTue, 30 Apr 2013 04:15:25 -0700Rafa Cervera3323fcd9-cbf2-4992-9991-4847621314fb894aa6c3-24ca-4d08-accc-b40a2ee6fd22BlogArticle9F8D3C43BC50C68B012013-04-30T11:44:23.697El futuro del cantante es incierto, pero su pasado sigue dando mucho de sí. La reedición de su segundo álbum en solitario nos recuerda que la polémica siempre camina junto a élFoto: Lawrence Watson / Emi Nunca ha sido fácil ser Morrissey. Y menos aún para el interesado. La responsabilidad de continuar con el legado de The Smiths ha resultado agotadora. Especialmente en los años inmediatos a la disolución del grupo. Uno de los momentos más críticos de ese proceso llegó con Kill Uncle. El segundo álbum en solitario de Morrissey, que acaba de ser reeditado, ya trajo cola en su día. De hecho, la versión que acaba de llegar a las tiendas también ha sido polémica. Morrissey le ha cambiado la portada. Ha alterado el orden de las canciones y ha sustituido unas por otras. Nadie entiende muy bien los motivos. Pero eso es ya algo habitual cuando se habla de Morrissey.   Kill Uncle se publicó en 1991. Llegó después de Viva Hate (1988), su debú en solitario, una etapa que Morrissey pensó que sería transitoria ya que esperaba poder seguir adelante con The Smiths. Posteriormente renegaría de este álbum, aunque sigue siendo el gran favorito de sus fans. Para Kill Uncle decidió cambiar de orientación. Prescindió de Stephen Street, productor de The Smiths y de Viva Hate. Llamó a Clive Langer y Alan Winstanley, productores de Madness. Y contó con Mark Nevin para escribir las canciones. La noticia sorprendió: Nevin era miembro de Fairground Attraction, autores de Perfect.                                                                           Foto: Diane Bidermann / Emi Más de dos décadas después, Morrissey renegó también de este álbum, alegando que lo hizo en una mala época personal. De hecho, cuando el disco se publicó y sólo llegó al octavo puesto de las listas, el músico envió un fax a uno de sus colaboradores que decía: “Inevitable declive”. Kill Uncle supuso un cambio en estilo de Morrissey. El disco incluye acercamientos al sonido Madchester, guiños a sus adorados Sparks, pero también  singles típicos suyos como Our Frank.   La polémica rodeó también a la reedición del single The Last Of Our International Playboys. Morrissey solicitó permiso para usar en la portada una foto suya con Bowie. Éste se lo denegó, posiblemente porque años atrás fue víctima de sus afilados comentarios. A modo de venganza, Morrissey decidió usar una foto donde aparece con Rick Astley, popstar de los 80.Foto: Lawrence Watson / Emi Nunca ha sido fácil ser Morrissey. Y menos aún para el interesado. La responsabilidad de continuar con el legado de The Smiths ha resultado agotadora. Especialmente en los años inmediatos a la disolución del grupo. Uno de los momentos más críticos de ese proceso llegó con Kill Uncle. El segundo álbum en solitario de Morrissey, que acaba de ser reeditado, ya trajo cola en su día. De hecho, la versión que acaba de llegar a las tiendas también ha sido polémica. Morrissey le ha cambiado la portada. Ha alterado el orden de las canciones y ha sustituido unas por otras. Nadie entiende muy bien los motivos. Pero eso es ya algo habitual cuando se habla de Morrissey.   Kill Uncle se publicó en 1991. Llegó después de Viva Hate (1988), su debú en solitario, una etapa que Morrissey pensó que sería transitoria ya que esperaba poder seguir adelante con The Smiths. Posteriormente renegaría de este álbum, aunque sigue siendo el gran favorito de sus fans. Para Kill Uncle decidió cambiar de orientación. Prescindió de Stephen Street, productor de The Smiths y de Viva Hate. Llamó a Clive Langer y Alan Winstanley, productores de Madness. Y contó con Mark Nevin para escribir las canciones. La noticia sorprendió: Nevin era miembro de Fairground Attraction, autores de Perfect.                                                                           Foto: Diane Bidermann / Emi Más de dos décadas después, Morrissey renegó también de este álbum, alegando que lo hizo en una mala época personal. De hecho, cuando el disco se publicó y sólo llegó al octavo puesto de las listas, el músico envió un fax a uno de sus colaboradores que decía: “Inevitable declive”. Kill Uncle supuso un cambio en estilo de Morrissey. El disco incluye acercamientos al sonido Madchester, guiños a sus adorados Sparks, pero también  singles típicos suyos como Our Frank.   La polémica rodeó también a la reedición del single The Last Of Our International Playboys. Morrissey solicitó permiso para usar en la portada una foto suya con Bowie. Éste se lo denegó, posiblemente porque años atrás fue víctima de sus afilados comentarios. A modo de venganza, Morrissey decidió usar una foto donde aparece con Rick Astley, popstar de los 80.BlogArticlehttp://entretenimiento.es.msn.com/blog/blog-o-pop/post.aspx?post=5a1ea3cb-e9a3-4378-8a88-d73ed7cc51a3Con la publicación de "Mosquito", renuevan una vez más su estilo sin dejar de ser ellos mismosThu, 25 Apr 2013 10:39:44 -0700Rafa Cervera3323fcd9-cbf2-4992-9991-4847621314fb5a1ea3cb-e9a3-4378-8a88-d73ed7cc51a3BlogArticle9F8D3C43BC50C68B012013-04-26T08:32:52.14Con la publicación de "Mosquito", renuevan una vez más su estilo sin dejar de ser ellos mismosYeah Yeahs Yeahs llevan más de una década sacando discos. Se dieron a conocer cuando la escena musical neoyorquina se puso de moda en 2001 gracias al boom de The Strokes. Sin embargo, el trío que lidera Karen O ha superado algunas de las trampas en las que cayeron otros grupos de ese momento. Strokes o Interpol nunca han podido superar sus respectivos debús. En cambio, Yeah Yeah Yeahs, aunque debutaron con un gran disco, han podido evolucionar y cambiar a su antojo sin que eso suponga un trauma para ellos.                                                                            Foto: Universal Music En diez años han publicado cuatro álbumes. Cada uno de ellos ha seguido un camino. Fever To Tell (2003) era rock desatado que recordaba tanto a Siouxsie como a The Cramps. Con It’s Blitz (2009) decidieron darle protagonismo a los sintetizadores. Mosquito tiene momentos que recuerdan a ambos álbumes y también al segundo, el más calmado y acústico Show Your Bones (2006). Su nuevo disco resume lo que fueron sus predecesores, pero añadiendo cosas nuevas, como es habitual en ellos.                     Yeah Yeah Yeah en Coachella 2013. Foto: John Shearer / AP Photo / G3online Karen O sigue siendo la vocalista salvaje y carismática que catapulta el sonido del grupo. Su imagen es punto y aparte. Y su perfil artístico también. Lo mismo escribe la banda sonora de una peli de su ex, Spike Jonze, que colabora con Trent Reznor o Santigold. Nick Zinner es uno de los mejores guitarras de los últimos tiempos. Y la batería de Brian Chase es el motor perfecto para que la combinación de todo esos factores tenga energía ilimitada. Yeah Yeah Yeahs  funcionan a diversos niveles. Graban canciones de éxito como Zero, pero sin renunciar a su lado arty. Y sus clips son siempre sorprendentes. Yeah Yeah Yeahs son lo suficientemente especiales como para ser respetados, pero sin tener que soportar la presión de ser la sensación del momento.Yeah Yeahs Yeahs llevan más de una década sacando discos. Se dieron a conocer cuando la escena musical neoyorquina se puso de moda en 2001 gracias al boom de The Strokes. Sin embargo, el trío que lidera Karen O ha superado algunas de las trampas en las que cayeron otros grupos de ese momento. Strokes o Interpol nunca han podido superar sus respectivos debús. En cambio, Yeah Yeah Yeahs, aunque debutaron con un gran disco, han podido evolucionar y cambiar a su antojo sin que eso suponga un trauma para ellos.                                                                            Foto: Universal Music En diez años han publicado cuatro álbumes. Cada uno de ellos ha seguido un camino. Fever To Tell (2003) era rock desatado que recordaba tanto a Siouxsie como a The Cramps. Con It’s Blitz (2009) decidieron darle protagonismo a los sintetizadores. Mosquito tiene momentos que recuerdan a ambos álbumes y también al segundo, el más calmado y acústico Show Your Bones (2006). Su nuevo disco resume lo que fueron sus predecesores, pero añadiendo cosas nuevas, como es habitual en ellos.                     Yeah Yeah Yeah en Coachella 2013. Foto: John Shearer / AP Photo / G3online Karen O sigue siendo la vocalista salvaje y carismática que catapulta el sonido del grupo. Su imagen es punto y aparte. Y su perfil artístico también. Lo mismo escribe la banda sonora de una peli de su ex, Spike Jonze, que colabora con Trent Reznor o Santigold. Nick Zinner es uno de los mejores guitarras de los últimos tiempos. Y la batería de Brian Chase es el motor perfecto para que la combinación de todo esos factores tenga energía ilimitada. Yeah Yeah Yeahs  funcionan a diversos niveles. Graban canciones de éxito como Zero, pero sin renunciar a su lado arty. Y sus clips son siempre sorprendentes. Yeah Yeah Yeahs son lo suficientemente especiales como para ser respetados, pero sin tener que soportar la presión de ser la sensación del momento.BlogArticlehttp://entretenimiento.es.msn.com/blog/blog-o-pop/post.aspx?post=aaa4fe92-e430-4b92-84df-c003594fda12Además de retorcerse como nadie en el escenario, Iggy tiene una discografía llena de clásicos y joyas que nunca hay que dejar de escuchar.Sat, 27 Apr 2013 08:46:47 -0700Rafa Cervera3323fcd9-cbf2-4992-9991-4847621314fbaaa4fe92-e430-4b92-84df-c003594fda12BlogArticle9F8D3C43BC50C68B342013-04-25T10:17:30.91Además de retorcerse como nadie en el escenario, Iggy tiene una discografía llena de clásicos y joyas que nunca hay que dejar de escuchar.Iggy Pop saca nuevo disco con The Stooges. Ready To Die parece más un disco suyo con algunos de los Stooges originales acompañándole que uno de los discos clásicos del grupo. A Iggy le pasa lo mismo que a los Stones: cuesta trabajo recordar cuál fue el último álbum relevante que grabó. Pero como los Stones, es toda una institución. Y como tal, a veces se convierte en su propia caricatura. A continuación, cinco canciones para querer a Iggy en los momentos de desesperanza.                                                                            Foto: Jeffrey Boam / AP Photo / G3online 1. I Wanna Be Your Dog (1969). El tema bandera de los Stooges. Puede que no sea la más cruda, pero si la que mejor sintetiza su salvajismo. Versionada hasta la saciedad pero inimitable, es una de las canciones más perversas que tiene en su haber el rock.                         The Stooges en 2003. Foto: Gie Knaeps / London Features Inc. / G3online 2.Search & Destroy (1973). Un manifiesto que adelantó tres años lo que sería el punk. Nihilista y descarnada, fue el testamento de un grupo a punto de explotar. David Bowie, fan y protector,  intentó domesticarlos en el estudio. Fue inútil.                                                                                Foto: Joel Ryan / AP Photo / G3online 3.China Girl (1976). El Iggy que se fue a Berlín con David Bowie grabó con éste dos de sus mejores obras. De esa época es The Idiot, su álbum más experimental. En él se encuentra la versión original de este tema coescrito con Bowie. Años después, éste la grabó por su cuenta y la convirtió en un éxito. 4.Home (1990). Las posibilidades de que Iggy se convirtiera alguna vez en una estrella del pop siempre han sido de 1000 contra 1. Lo logró en 1986 con Blah Blah Blah. Y cuatro años después superó su propio listón comercial con temas como éste. La sabia mano del productor Don Was logró que Iggy llegara a las masas. 5.Les Feuilles Mortes (2009). Préliminaires es un disco de temas de medio tiempo y baladas. Un registro que va muy bien con su voz de barítono. A destacar esta versión del clásico de la chanson.un vehiculo para viajar hacia otra dimensionBlogArticlehttp://entretenimiento.es.msn.com/blog/blog-o-pop/post.aspx?post=3c46bc06-fa68-4c21-8128-9e26f4413672Famoso por sus trabajos para Pink Floyd y Led Zeppelin, el recientemente fallecido diseñador creó imágenes que forman parte de la historia del rockMon, 22 Apr 2013 09:40:48 -0700Rafa Cervera3323fcd9-cbf2-4992-9991-4847621314fb3c46bc06-fa68-4c21-8128-9e26f4413672BlogArticle9F8D3C43BC50C68B012013-04-23T08:44:06.863Famoso por sus trabajos para Pink Floyd y Led Zeppelin, el recientemente fallecido diseñador creó imágenes que forman parte de la historia del rockEl pasado 18 de abril fallecía el diseñador gráfico Storm Thorgerson, responsable de algunas de las mejores portadas que se han hecho en la historia del rock. Tanto con su trabajo al frente del equipo Hipgnosis como en solitario, Thorgerson creó imágenes que van ineludiblemente unidas a la música de ciertos álbumes. Entre esos grandes álbumes se encuentra su obra más popular. Las portadas de gran parte de la discografía de Pink Floyd (Dark Side Of The Moon y Animals inclusive), Led Zeppelin y Genesis son suyas. Como también lo son otras que, por una u otra razón, no suelen ser asociadas a su obra o simplemente ilustraron discos que pasaron desapercibidos. Estas son algunas de ellas: THE WINKIES The Winkies. Fueron un grupo canadiense de corta vida. Su punto álgido llegó en 1974 cuando se convirtieron en el grupo de acompañamiento de Eno. La portada de su primer y único álbum, obra de Hipgnosis, con su carga erótica y su pulcritud pop art, es casi más recordada que ellos. T. REX Electric Warrior. La cubierta del disco que dio carta de naturaleza al glam en 1971 fue creada por Hipgnosis. Un diseño sencillo que prueba que no todo eran fantasías y abstracciones en el estilo de Thorgerson. WINGS At The Speed Of Sound. El grupo post Beatles de McCartney fue también cliente asiduo del estudio de Thorgerson. De entre los varios diseños que éste les hizo, destaca la sencilla contundencia de esta portada. PETER GABRIEL 2. Peter gabriel tituló únicamente con su nombre sus tres primeros discos. Los tres contaron con diseños de Thorgerson, aunque sin duda, la del segundo, con esos arañazos en el aire, resultó la más impactante. MUSE Black Holes And Revelations. Hipgnosis dejó de existir en 1983 y Thorgerson siguió en solitario hasta casi su muerte. Aunque se prodigó menos en sus últimos años, el lado más fantástico de su estética se dejó ver en disco de Biffy Clyro, Mars Volta y, por supuesto, Muse, un grupo cuya épica replicaba portadas como las del maestro.El pasado 18 de abril fallecía el diseñador gráfico Storm Thorgerson, responsable de algunas de las mejores portadas que se han hecho en la historia del rock. Tanto con su trabajo al frente del equipo Hipgnosis como en solitario, Thorgerson creó imágenes que van ineludiblemente unidas a la música de ciertos álbumes. Entre esos grandes álbumes se encuentra su obra más popular. Las portadas de gran parte de la discografía de Pink Floyd (Dark Side Of The Moon y Animals inclusive), Led Zeppelin y Genesis son suyas. Como también lo son otras que, por una u otra razón, no suelen ser asociadas a su obra o simplemente ilustraron discos que pasaron desapercibidos. Estas son algunas de ellas: THE WINKIES The Winkies. Fueron un grupo canadiense de corta vida. Su punto álgido llegó en 1974 cuando se convirtieron en el grupo de acompañamiento de Eno. La portada de su primer y único álbum, obra de Hipgnosis, con su carga erótica y su pulcritud pop art, es casi más recordada que ellos. T. REX Electric Warrior. La cubierta del disco que dio carta de naturaleza al glam en 1971 fue creada por Hipgnosis. Un diseño sencillo que prueba que no todo eran fantasías y abstracciones en el estilo de Thorgerson. WINGS At The Speed Of Sound. El grupo post Beatles de McCartney fue también cliente asiduo del estudio de Thorgerson. De entre los varios diseños que éste les hizo, destaca la sencilla contundencia de esta portada. PETER GABRIEL 2. Peter gabriel tituló únicamente con su nombre sus tres primeros discos. Los tres contaron con diseños de Thorgerson, aunque sin duda, la del segundo, con esos arañazos en el aire, resultó la más impactante. MUSE Black Holes And Revelations. Hipgnosis dejó de existir en 1983 y Thorgerson siguió en solitario hasta casi su muerte. Aunque se prodigó menos en sus últimos años, el lado más fantástico de su estética se dejó ver en disco de Biffy Clyro, Mars Volta y, por supuesto, Muse, un grupo cuya épica replicaba portadas como las del maestro.BlogArticlehttp://entretenimiento.es.msn.com/blog/blog-o-pop/post.aspx?post=d638679f-b21c-4cd1-b7da-80f9bc8e590eEl vinilo está en auge. Un fenómeno que ayuda a que sobrevivan las casa de discos y a que la música siga siendo algo tangible y coleccionable. El Record Store Day, que se celebra mundialmente este 20 de abril, simboliza este fenómenoFri, 19 Apr 2013 01:58:15 -0700Rafa Cervera3323fcd9-cbf2-4992-9991-4847621314fbd638679f-b21c-4cd1-b7da-80f9bc8e590eBlogArticle9F8D3C43BC50C68B012013-04-19T08:58:15.953El vinilo está en auge. Un fenómeno que ayuda a que sobrevivan las casa de discos y a que la música siga siendo algo tangible y coleccionable. El Record Store Day, que se celebra mundialmente este 20 de abril, simboliza este fenómenoEl vinilo está de moda. El CD languidece por culpa de los mp3 y las escuchas en streaming. En cambio, el vinilo está viviendo una segunda juventud. Nadie habría augurado algo semejante tan sólo unos años atrás.  Pero es un hecho que, cuanto más intangible es la música, más valor adquiere como fetiche. De ahí que el flujo de ediciones y reediciones en este formato sea incesante. El álbum ha recuperado su dimensión física original. Las portadas son grandes. Su diseño, que siempre fue pensado para ese tamaño, vuelve a ser visible. Y los aficionados se deleitan dejando que la aguja recorra los surcos negros de eso que un día se llamó elepé. Cada día se venden menos CDS, pero también se venden unos cuantos vinilos más. Y el Record Store Day potencia este resurgir. Ha pasado de ser un evento minoritario a un acontecimiento mundial,  alrededor del cual se programan lanzamientos en vinilo de discos nuevos y viejos. El RSD festeja el poder físico del disco con ediciones de singles y álbumes de todo tipo. De Dylan a David Bowie, de The Cure a Flaming Lips. Se lanzan singles en edición limitada, como los del sello Third Man Records, de Jack White. Aunque el caso de White no tiene mucho mérito: durante el resto del año también trabaja duro para potenciar los discos en vinilo desde su sello. En España también ha cogido fuerza durante los últimos años. Al vinilo lo mató el CD a finales de los 80. Ahora que al CD lo ha matado la misma tecnología que lo creó, el vinilo regresa para vengarse. Los nostálgicos siempre preferirán comprar los nuevos lanzamientos en formato clásico. Los que eran demasiado pequeños, o incluso no habían nacido cuando se publicaron los grandes álbumes de los Stones, T-Rex, Sex Pistols o Stone Roses, ahora tienen la oportunidad de disfrutar de aquellos discos tal y como fueron originalmente concebidos. Da la impresión de que el futuro de la música en soporte físico terminará pasando por el vinilo.El vinilo está de moda. El CD languidece por culpa de los mp3 y las escuchas en streaming. En cambio, el vinilo está viviendo una segunda juventud. Nadie habría augurado algo semejante tan sólo unos años atrás.  Pero es un hecho que, cuanto más intangible es la música, más valor adquiere como fetiche. De ahí que el flujo de ediciones y reediciones en este formato sea incesante. El álbum ha recuperado su dimensión física original. Las portadas son grandes. Su diseño, que siempre fue pensado para ese tamaño, vuelve a ser visible. Y los aficionados se deleitan dejando que la aguja recorra los surcos negros de eso que un día se llamó elepé. Cada día se venden menos CDS, pero también se venden unos cuantos vinilos más. Y el Record Store Day potencia este resurgir. Ha pasado de ser un evento minoritario a un acontecimiento mundial,  alrededor del cual se programan lanzamientos en vinilo de discos nuevos y viejos. El RSD festeja el poder físico del disco con ediciones de singles y álbumes de todo tipo. De Dylan a David Bowie, de The Cure a Flaming Lips. Se lanzan singles en edición limitada, como los del sello Third Man Records, de Jack White. Aunque el caso de White no tiene mucho mérito: durante el resto del año también trabaja duro para potenciar los discos en vinilo desde su sello. En España también ha cogido fuerza durante los últimos años. Al vinilo lo mató el CD a finales de los 80. Ahora que al CD lo ha matado la misma tecnología que lo creó, el vinilo regresa para vengarse. Los nostálgicos siempre preferirán comprar los nuevos lanzamientos en formato clásico. Los que eran demasiado pequeños, o incluso no habían nacido cuando se publicaron los grandes álbumes de los Stones, T-Rex, Sex Pistols o Stone Roses, ahora tienen la oportunidad de disfrutar de aquellos discos tal y como fueron originalmente concebidos. Da la impresión de que el futuro de la música en soporte físico terminará pasando por el vinilo.BlogArticlehttp://entretenimiento.es.msn.com/blog/blog-o-pop/post.aspx?post=79101ae4-81f5-4c06-8af9-0e3ab529fce2Eels vuelven a actuar en España, presentando su nuevo álbum el 27 de abril en Barcelona y el 28 en Madrid.Thu, 18 Apr 2013 09:52:22 -0700Rafa Cervera3323fcd9-cbf2-4992-9991-4847621314fb79101ae4-81f5-4c06-8af9-0e3ab529fce2BlogArticle9F8D3C43BC50C68B012013-04-18T16:52:22.637Eels vuelven a actuar en España, presentando su nuevo álbum el 27 de abril en Barcelona y el 28 en Madrid.Mark Oliver Everett, más conocido como E, y más conocido aún por ser el que manda en Eels, empieza en breve una gira española. Con ella presenta su nuevo álbum Wonderful, Glorious. Con él abre una etapa más optimista.  Sigue sin hacer música para animar fiestas. Al menos, esta vez parece que ya no tiene malos momentos que exorcizar. Wonderful, Glorious no es el único motivo para amar a Everett. También hay que tener en cuenta...                                           Foto: Rocky Schonck / Music As Usual Ese enfermizo sentido del humor. Lo exhibe en vídeos como el de Peach Blossom o el de That Look That You Give That Guy, donde el protagonista es su perro. Su libro. Cosas que los nietos deberían saber (Blackie Books). Ha sido un éxito editorial incluso en España. En él, E cuenta cómo vivió la paulatina muerte de su familia. También cómo tuvo que asimilar que vivir de la música puede ser placentero, pero nunca fácil. También tiene momentos hilarantes. Como cuando le pidió a Tom Waits si quería colaborar con él. Su rechazo a las entrevistas. Lo cual no es nada bueno para los que tenemos que entrevistarle. Dice que detesta especialmente a los periodistas alemanes. Como le quema tanto conceder entrevistas, en sus respuestas suele echar mano de la ironía bastante a menudo. Esa tensión hace que las cosas salgan muy bien (o muy mal). Unos ídolos estupendos. E adora a Ray Charles. Dice que leyendo su biografía aprendió a ser él mismo. Que es exactamente lo que tiene hacer un artistas si quiere llegar a los demás. También es fan de Lennon y, por supuesto, de Tom Waits. Prince es uno de sus músicos y uno de los pocos ídolos que le queda por conocer personalmente. Su discografía. Salvo los dos álbumes que grabó como E antes de montar Eels, su discografía es consistente como pocas. Abundan los momentos oscuros, pero también tiene canciones felices y singles bonitos, como Fresh Feeling. Los neófitos pueden descubrirle en el recopilatorio Meet The Eels.Mark Oliver Everett, más conocido como E, y más conocido aún por ser el que manda en Eels, empieza en breve una gira española. Con ella presenta su nuevo álbum Wonderful, Glorious. Con él abre una etapa más optimista.  Sigue sin hacer música para animar fiestas. Al menos, esta vez parece que ya no tiene malos momentos que exorcizar. Wonderful, Glorious no es el único motivo para amar a Everett. También hay que tener en cuenta...                                           Foto: Rocky Schonck / Music As Usual Ese enfermizo sentido del humor. Lo exhibe en vídeos como el de Peach Blossom o el de That Look That You Give That Guy, donde el protagonista es su perro. Su libro. Cosas que los nietos deberían saber (Blackie Books). Ha sido un éxito editorial incluso en España. En él, E cuenta cómo vivió la paulatina muerte de su familia. También cómo tuvo que asimilar que vivir de la música puede ser placentero, pero nunca fácil. También tiene momentos hilarantes. Como cuando le pidió a Tom Waits si quería colaborar con él. Su rechazo a las entrevistas. Lo cual no es nada bueno para los que tenemos que entrevistarle. Dice que detesta especialmente a los periodistas alemanes. Como le quema tanto conceder entrevistas, en sus respuestas suele echar mano de la ironía bastante a menudo. Esa tensión hace que las cosas salgan muy bien (o muy mal). Unos ídolos estupendos. E adora a Ray Charles. Dice que leyendo su biografía aprendió a ser él mismo. Que es exactamente lo que tiene hacer un artistas si quiere llegar a los demás. También es fan de Lennon y, por supuesto, de Tom Waits. Prince es uno de sus músicos y uno de los pocos ídolos que le queda por conocer personalmente. Su discografía. Salvo los dos álbumes que grabó como E antes de montar Eels, su discografía es consistente como pocas. Abundan los momentos oscuros, pero también tiene canciones felices y singles bonitos, como Fresh Feeling. Los neófitos pueden descubrirle en el recopilatorio Meet The Eels.BlogArticlehttp://entretenimiento.es.msn.com/blog/blog-o-pop/post.aspx?post=e9ad319f-48cb-4efc-884b-3bd911e37f73La publicación de "The Horror", su decimotercer disco, reafirma a Wayne Coyne como la mente más intensamente alucinada del rock moderno.Tue, 16 Apr 2013 08:12:44 -0700Rafa Cervera3323fcd9-cbf2-4992-9991-4847621314fbe9ad319f-48cb-4efc-884b-3bd911e37f73BlogArticle9F8D3C43BC50C68B012013-04-16T15:12:44.073La publicación de "The Horror", su decimotercer disco, reafirma a Wayne Coyne como la mente más intensamente alucinada del rock moderno.Foto: Bella Union / Music As Usual No existe ningún músico de rock como Wayne Coyne. Lleva 30 años al frente de Flaming Lips, desafiando todo tipo de leyes, ya sean éstas referentes a estilos musicales, al mercado o a las de la lógica. Su primer éxito destacable fue She Don't Use Jelly, que inesperadamente se convirtió en todo un hit en 1994. Lo cual no estuvo nada mal teniendo en cuenta que la letra era psicodelia pura. Ahora acaban de publicar The Terror, una nueva excursión por el subconsciente del rock. Con él Coyne y los Lips constatan que son una fuente de ideas y energía inagotable. A continuación, algunos de los episodios más enloquecidos del grupo. ZAIREEKA. Gracias al éxito de She Don’t use Jelly, la multinacional para la que grababan les dejó hacer lo que quisieran. Y ellos registraron un disco cuádruple que sólo se puede escuchar reproduciendo los cuatros Cd’s al unísono. 16 años después de su publicación, se reedita en vinilo de cara al Record Store Day. Los fans ya pueden ir agenciándose cuatro platos. LA FIJACIÓN CON LA MUERTE. Es un tema recurrente en sus canciones. En otro de sus singles, Do You Realize?, el estribillo decía "¿No te das cuenta que tarde o temprano toda la gente que conoces morirá?" En 2009 fue elegida canción oficial de Oklahoma, ciudad natal de Coyne. Otros highlights existenciales del grupo: convertir el Can’t Get You Out Of My Head de Kylie Minogue en una canción fúnebre. Y aventurarse a titular una canción ¿Se está muriendo David Bowie?, cuando los rumores sobre la salud de éste no podían ser más agoreros. LA PELÍCULA MARCIANA. Terrícolas y marcianos coinciden en Marte con una fiesta navideña como trasfondo. Ese es el argumento de Christmas On Mars, una película de ciencia ficción serie B dirigida por Coyne. Tardó siete años en rodarse. Se estrenó en 2008.                                                                          Foto: Bella Union / Music As Usual LAS COLABORACIONES INESPERADAS. Flaming Lips han colaborado con Beck, pero sobre todo, han grabado con artistas de lo más dispares. En 2010 grabaron con Star Death y White Dwarf, una verisón del Dark Side Of The Moon de Pink Floyd. En ella cantaban Peaches y Henry Rollins. El pasado año publicaron Heady Fwends. Se trata de un álbum de duetos con Erykah Badu, Nick Cave, Yoko Ono o Ke$ha, entre otros. Con la primera hubo polémica por culpa del vídeo que acompañó la canción. Con la última hubo tan buena química que ya se ha anunciado que grabarán un álbum juntos que se llamará Lipsha. Todos los participantes del disco tuvieron que enviar un poco de su sangre para mezclarla y usarla como color en la primera versión en vinilo del disco.Foto: Bella Union / Music As Usual No existe ningún músico de rock como Wayne Coyne. Lleva 30 años al frente de Flaming Lips, desafiando todo tipo de leyes, ya sean éstas referentes a estilos musicales, al mercado o a las de la lógica. Su primer éxito destacable fue She Don't Use Jelly, que inesperadamente se convirtió en todo un hit en 1994. Lo cual no estuvo nada mal teniendo en cuenta que la letra era psicodelia pura. Ahora acaban de publicar The Terror, una nueva excursión por el subconsciente del rock. Con él Coyne y los Lips constatan que son una fuente de ideas y energía inagotable. A continuación, algunos de los episodios más enloquecidos del grupo. ZAIREEKA. Gracias al éxito de She Don’t use Jelly, la multinacional para la que grababan les dejó hacer lo que quisieran. Y ellos registraron un disco cuádruple que sólo se puede escuchar reproduciendo los cuatros Cd’s al unísono. 16 años después de su publicación, se reedita en vinilo de cara al Record Store Day. Los fans ya pueden ir agenciándose cuatro platos. LA FIJACIÓN CON LA MUERTE. Es un tema recurrente en sus canciones. En otro de sus singles, Do You Realize?, el estribillo decía "¿No te das cuenta que tarde o temprano toda la gente que conoces morirá?" En 2009 fue elegida canción oficial de Oklahoma, ciudad natal de Coyne. Otros highlights existenciales del grupo: convertir el Can’t Get You Out Of My Head de Kylie Minogue en una canción fúnebre. Y aventurarse a titular una canción ¿Se está muriendo David Bowie?, cuando los rumores sobre la salud de éste no podían ser más agoreros. LA PELÍCULA MARCIANA. Terrícolas y marcianos coinciden en Marte con una fiesta navideña como trasfondo. Ese es el argumento de Christmas On Mars, una película de ciencia ficción serie B dirigida por Coyne. Tardó siete años en rodarse. Se estrenó en 2008.                                                                          Foto: Bella Union / Music As Usual LAS COLABORACIONES INESPERADAS. Flaming Lips han colaborado con Beck, pero sobre todo, han grabado con artistas de lo más dispares. En 2010 grabaron con Star Death y White Dwarf, una verisón del Dark Side Of The Moon de Pink Floyd. En ella cantaban Peaches y Henry Rollins. El pasado año publicaron Heady Fwends. Se trata de un álbum de duetos con Erykah Badu, Nick Cave, Yoko Ono o Ke$ha, entre otros. Con la primera hubo polémica por culpa del vídeo que acompañó la canción. Con la última hubo tan buena química que ya se ha anunciado que grabarán un álbum juntos que se llamará Lipsha. Todos los participantes del disco tuvieron que enviar un poco de su sangre para mezclarla y usarla como color en la primera versión en vinilo del disco.BlogArticlehttp://entretenimiento.es.msn.com/blog/blog-o-pop/post.aspx?post=534e0a32-6813-44c8-b3ae-8fc50ecf714aLa colección 33 1/3 publica ensayos dedicados a influyentes álbumes de Pink Floyd, The Kinks y Nick DrakeFri, 12 Apr 2013 00:51:45 -0700Rafa Cervera3323fcd9-cbf2-4992-9991-4847621314fb534e0a32-6813-44c8-b3ae-8fc50ecf714aBlogArticle9F8D3C43BC50C68B012013-04-12T07:51:45.92La colección 33 1/3 publica ensayos dedicados a influyentes álbumes de Pink Floyd, The Kinks y Nick DrakeHace tres años, la editorial Libros Crudos empezó a poner en circulación una interesante colección de libros que lleva tiempo dando alegrías a los aficionados anglosajones. Se trata de 33 1/3 (léase 33 un tercio, como la revoluciones a las que giran los álbumes de vinilo), una serie de monográficos que giran en torno a algunos de los grandes álbumes de la música pop.  La colección en español se inauguró con títulos dedicados a álbumes fundamentales de Rolling Stones, Pixies y Dylan. Ahora, aumenta con tres nuevos títulos.                                                            The Kinks. Foto: Libros Crudos El primero de ellos está dedicado a The Village Green Preservation Society, el álbum con el que The Kinks eludieron las trampas de la moda psicodélica tan en boga en 1967. Firmado por Andy Miller, el ensayo profundiza en una obra compleja realizada por un creador más complejo aún si cabe, Ray Davies, y por una banda que siempre fue punto y aparte en la música británica. Pink Moon , de Amanda Petrusich, está dedicado al último álbum grabado por Nick Drake. Un disco que en su día pasó desapercibido para terminar convirtiéndose en un referente musical. La desnudez de sus canciones reflejaba la extrema sensibilidad de un cantautor que no se llevaba bien con el mundo. Víctima de fuertes depresiones, y desesperanzado al ver que su música no conseguía llegar al público, Drake se quitó la vida en 1974. Dejó tres álbumes publicados. Pink Moon (1972) le hizo, finalmente, pasar a la historia. El libro de Petrusich está construido sobre los testimonios de músicos como Damien Jurado, Lou Barlow o Robyn Hitchcock, fervientes admiradores del cantautor. The Piper At The Gates Of Dawn (1967) fue el debú de Pink Floyd. Y también el único disco que grabaron con Syd Barett, que fue expulsado del grupo poco después. El ensayo que le dedica John Cavanagh va más allá de estos lugares comunes y examina concienzudamente el avance musical que supuso su publicación. Uno de los grandes pilares de la psicodelia británica, explicado y contextualizado en otro de estos pequeños pero enriquecedores libros. Por cierto, los próximos lanzamientos estarán dedicados a Low, de David Bowie, y Another Green World, de Brian Eno.Hace tres años, la editorial Libros Crudos empezó a poner en circulación una interesante colección de libros que lleva tiempo dando alegrías a los aficionados anglosajones. Se trata de 33 1/3 (léase 33 un tercio, como la revoluciones a las que giran los álbumes de vinilo), una serie de monográficos que giran en torno a algunos de los grandes álbumes de la música pop.  La colección en español se inauguró con títulos dedicados a álbumes fundamentales de Rolling Stones, Pixies y Dylan. Ahora, aumenta con tres nuevos títulos.                                                            The Kinks. Foto: Libros Crudos El primero de ellos está dedicado a The Village Green Preservation Society, el álbum con el que The Kinks eludieron las trampas de la moda psicodélica tan en boga en 1967. Firmado por Andy Miller, el ensayo profundiza en una obra compleja realizada por un creador más complejo aún si cabe, Ray Davies, y por una banda que siempre fue punto y aparte en la música británica. Pink Moon , de Amanda Petrusich, está dedicado al último álbum grabado por Nick Drake. Un disco que en su día pasó desapercibido para terminar convirtiéndose en un referente musical. La desnudez de sus canciones reflejaba la extrema sensibilidad de un cantautor que no se llevaba bien con el mundo. Víctima de fuertes depresiones, y desesperanzado al ver que su música no conseguía llegar al público, Drake se quitó la vida en 1974. Dejó tres álbumes publicados. Pink Moon (1972) le hizo, finalmente, pasar a la historia. El libro de Petrusich está construido sobre los testimonios de músicos como Damien Jurado, Lou Barlow o Robyn Hitchcock, fervientes admiradores del cantautor. The Piper At The Gates Of Dawn (1967) fue el debú de Pink Floyd. Y también el único disco que grabaron con Syd Barett, que fue expulsado del grupo poco después. El ensayo que le dedica John Cavanagh va más allá de estos lugares comunes y examina concienzudamente el avance musical que supuso su publicación. Uno de los grandes pilares de la psicodelia británica, explicado y contextualizado en otro de estos pequeños pero enriquecedores libros. Por cierto, los próximos lanzamientos estarán dedicados a Low, de David Bowie, y Another Green World, de Brian Eno.BlogArticlehttp://entretenimiento.es.msn.com/blog/blog-o-pop/post.aspx?post=fee22dba-3179-4585-b612-1886b4ea021dDurante los 80, Paul Weller, Billy Bragg o The Smiths se posicionaron claramente en contra de la primera ministra y su gobierno.Fri, 12 Apr 2013 02:15:57 -0700Rafa Cervera3323fcd9-cbf2-4992-9991-4847621314fbfee22dba-3179-4585-b612-1886b4ea021dBlogArticle9F8D3C43BC50C68B232013-04-11T08:14:06.67Durante los 80, Paul Weller, Billy Bragg o The Smiths se posicionaron claramente en contra de la primera ministra y su gobierno.Los años de gobierno de Margaret Thatcher tuvieron su inevitable reflejo en la música pop inglesa. Una de sus consecuencia fueron los grupos y artistas que maquillaron excesivamente su sonido, que tuvieron ventas millonarias y rodaron costosos clips en los que el lujo, la sofisticación y el escapismo eran lo único importante. Pero el thatcherismo, que se prolongó durante toda la década de los 80, también provocó reacciones beligerantes. A medida que fue creciendo el descontento con la política del gobierno conservador, una serie de artistas fue tomando posicionamiento político. Como consecuencia, fueron apareciendo canciones , discos y hasta grupos que tomaban partido en aquella lucha social. Comunista convencido desde principios de los 70, Robert Wyatt fue una de las primeras voces discordantes que se dejó oír. En 1982 grabó Shipbuilding, canción que reflexionaba sobre la incongruencia de reactivar los astilleros construyendo barcos que mandaban jóvenes a la guerra. En concreto, a una guerra tan absurda como la de las Malvinas. La canción fue escrita por Elvis Costello, que poco después grabaría su propia versión. Tracey Thorn, entonces en Everything But The Girl, fue la vocalista invitada de Venceremos (We Will Win), un homenaje a Víctor Jara orquestado por Working Week. Surgidos de las cenizas de Weekend, Working Week practicaban un pop con ascendente jazz e ideología izquierdista. Desde otro ángulo, The Special AKA (también conocidos como The Specials) potenciaron la lucha contra el apartheid, el racismo y la extrema derecha con sus canciones. (Free) Nelson Mandela se convirtió en 1984 en todo un himno. Tres años antes retrataron con Ghost Town la estampa de un país castigado por el desempleo. Sin incluir ninguna proclama política concreta en su obra, The Smiths fueron en una de las grandes bandas antiThatcher. Su sonido y su actitud iban en contra de un gobierno que siempre castigaba a los más débiles. Dejaron constancia de ello en The Queen Is Dead (1986), su obra cumbre. Ese posicionamiento debe de ser uno de los pocos nexos que hay actualmente entre Johnny Marr y Morrissey. Ambos mostraron públicamente su disgusto cuando, hace unos años, David Cameron se declaró admirador de The Smiths. Marr llegó a prohibirle a Cameron que le gustase su antiguo grupo.   The Smiths no dudaron en unirse a la gira de Red Wedge cuando coincidieron con ella en Newcastle. Red Wedge fue un colectivo de músicos y artistas fundado en 1985 por Paul Weller (entonces en Style Councyl), el cantautor Billy Bragg y Jimmy Sommerville. Querían contribuir a que el partido laborista ganará las elecciones de 1987, que de nuevo perdieron cuando salió elegido John Major. Entre sus varias acciones estuvo el apoyo a los mineros en huelga, una causa que llevó a músicos tan dispares como Test Dept o Robyn Hitchcock a colaborar a recoger fondos para ayudar a los mineros mientras duró su paro.Dire Straits en su tema Iron hand, hace gran referencia a las huelgas de los mineros en Gran Bretaña y la represión que sufrieron a causa de esta señora, y de como esta señora actuando como la gestapo,  en su cinismo esta señora aparecía después apoyando al sindicato Solidaridad en Polonia, vamos de lo mas patético. Mark Knopfler se mostró siempre un luchador contra el apartheid y de hecho fue considerado como un indeseable por dicho regimen.BlogArticle